Joep Van Lieshout (1963, Ravenstein, Países Bajos) es un artista y escultor fundador de Atelier Van Lieshout (AVL), taller situado en un gran almacén en los puertos de Rotterdam (Países Bajos).
De 1980 a 1985 Josep Van Lieshout se formó en la Academia de Arte Moderno de Rotterdam, de 1985 a 1987 continuó en Ateliers ’63 de Haarlem (Holanda) y en 1987 en Villa Arson (Niza, Francia).
En 1995, Van Lieshout fundó el grupo de estudio Atelier Van Lieshout (AVL) en la ciudad de Rotterdam, donde la compañía continúa diseñando y fabricando sus obras de naturaleza diversa e inherentemente esquizofrénicas.
El diseño y la producción de las obras de arte de Atelier Van Lieshout (AVL) comienzan sus vidas aquí -en este taller- con diferentes departamentos (talleres de fibra de vidrio, escultura, madera y metal), antes de exponerse por todo el mundo.
Atelier Van Lieshout ha obtenido el reconocimiento internacional por proyectos basados en objetos que están en el límite entre el arte, la arquitectura y el diseño.
El Atelier van Lieshout afirma no hacer distinción entre “obras de arte reales” y “simplemente construir algo para alguien“.
Los 20 empleados de AVL tienen diferentes orígenes y antecedentes, y los diseñadores están estrechamente involucrados en el proceso de fabricación de cada producto.
El nombre de Atelier Van Lieshout enfatiza el hecho de que, aunque Joep Van Lieshout fundó y lideró el colectivo, el trabajo producido proviene de los impulsos creativos de todo el equipo.
Joep Van Lieshout se centra en la creación de obras de arte cuyos principios de diseño desafían las ideas convencionales de utilidad y funcionalidad al reinventar cómo el espectador percibe o se acerca a un objeto y al entorno en el que se ubica.
Esto se logra mediante la implementación de materiales no tradicionales y una paleta de colores poco convencionales, temas inusuales, y mediante el posicionamiento estratégico o la ubicación de la obra de arte.
Los temas recurrentes más relevantes en el trabajo de Atelier Van Lieshout (AVL) incluyen la autosuficiencia, la domesticación, los sistemas complejos de funcionamiento y la re-contextualización de objetos domésticos familiares; también el poder, la política, el sexo y los temas más clásicos de la vida y la muerte.
Durante la Capitalidad Cultural de Rotterdam en el año 2001 diseñaron AVL-Ville, un Estado Libre de Atelier Van Lieshout.
Originalmente fue un proyecto diseñado para la ciudad de Almere como un lugar para experimentos e inventos. Pero después de que Almere rechazara la propuesta, Atelier Van Lieshout decidió realizar su ciudad pionera en su propio taller, el que tienen en el puerto de Rotterdam.
AVL-Ville era arte, un santuario y una estructura social que se combinaron en una comunidad funcional con su propia granja, su propia constitución, una bandera e incluso su propia moneda.
Pero, después de sólo 9 meses, el experimento fue cerrado por el gobierno local porque fue demasiada gente a visitarlo, lo que planteó un “riesgo para la salud“.
Otra de sus obras públicas famosa es “Funky Bones” (2010), ubicada en el Virginia B. Fairbanks Art & Nature Park: 100 acres, dentro del IMA, Museo de Arte de Indianápolis (Indiana, EE.UU.).
“Funky Bones” es imposible verla en su totalidad, excepto a distancia, preferiblemente desde arriba. Moverse lo suficientemente cerca como para realmente inter-actuar con la pieza produce una perspectiva completamente diferente.
La obra “Infernopolis“, que tuvo lugar del 29 de Mayo al 26 de Septiembre de 2010, ocupaba un área de casi 5.000 metros cuadrados en un muelle submarino abandonado de Rotterdam.
Organizada por el puerto de ésta ciudad y el museo Boijmans Van Beuningen, esta exposición abordaba cuestiones centrales de la práctica habitual de Atelier Van Lieshout, que incluyen la autonomía, la autosuficiencia, el poder y la economía.
Los visitantes de “Infernopolis” se movían entre siniestras instalaciones y numerosas escenas en las que las distinciones entre: el bien y el mal, la vida y la muerte, la realidad y la ficción se difuminaban.
En conjunto, esos elementos -dos inmensas instalaciones y un bosque de esculturas- formaban un escenario aterrador plagado de instrumentos médicos, bombas de vacío, cuerpos desollados, excrementos humanos, células espermáticas gigantes y órganos corporales.
Las enormes esculturas representaban partes del cuerpo individuales pero también órganos internos inter-conectados.
“Me gusta trabajar con órganos para mostrar algo de la belleza de nuestro interior y del sistema que hay detrás de él“, declaró Atelier Van Lieshout.
Aunque las esculturas de órganos son anatómicamente correctas y nos dan una idea de cómo está diseñado el cuerpo humano, su significado hay que buscarlo, sobre todo, en las similitudes entre los grandes modelos coordinados (la sociedad) y los sistemas íntimos y personales (el cuerpo y sus órganos).
El sistema digestivo por ejemplo plantea un paralelismo con el mundo en general, que también consume y produce. Ambos elementos se fusionan en la obra “Barrectum“, que representa los órganos del sistema digestivo, desde la lengua al ano.
Una serie de esculturas unificadas bajo el título de “Cuna a la cuna” consistía en un teatro anatómico, un matadero semi-industrial y una sala de operaciones de alta tecnología.
Huesos, cráneos, grupos musculares y órganos se encuentran en la mesa y los cuerpos desollados cuelgan de los rieles. En un modelo de clara eficiencia, los órganos se usan para trasplantes, mientras que la carne, los líquidos, la grasa y los huesos se procesan para obtener alimentos, y el resto se usa para producir energía.
Otra parte del muelle contenía las piezas que, bajo el título “Esculturas heroicas” (un caballo que se encabrita y un cañón grande WWIII) se hicieron como un monumento dedicado tanto a la guerra como al heroísmo.
Para Lieshout, las esculturas se reflejan en nuestra sociedad extremadamente avanzada y compleja, donde el consumo excesivo y las materias primas limitadas juegan un papel crucial.
Van Lieshout cree que esto llevará previsiblemente a la aparición de varias culturas nuevas en el futuro. Una vez que se agoten los suministros, la sociedad verá un recrudecimiento de los conflictos interpersonales y un mayor instinto de supervivencia.
Esto le hace plantear la pregunta de si tales cambios radicales, que acarrearán situaciones de violencia pero que también pueden conducir a una sociedad nueva y mejorada, son buenos o malos.
Otra parte de su programa, titulada “El tecnócrata“, comprende todo tipo de aparatos como contenedores, camas y cubas de destilación que todos juntos forman un circuito cerrado de comida, alcohol, excremento y energía.
En la feria Design Miami / Basel 2015, Atelier Van Lieshout presentó una escultura habitable presentada por Carpenters Workshop Gallery (con sucursales en Londres y París) como parte de la sección Design at Large de Design Miami / Basel.
Ésta estructura de fibra de vidrio, una cueva-vivienda híbrida con forma orgánica, es una mezcla entre un salón de lujo y una vivienda primitiva para albergar a una tribu ficticia.
“The Original Dwelling es parte de la serie en curso New Tribal Labyrinth que presenta una visión de un mundo futuro, aunque primitivo, habitado por tribus imaginarias donde habrá diferentes éticas“, dijo el Atelier.
La escultura blanca mide aproximadamente 10 x 7 metros e incluye un dormitorio, una sala de juegos, un bar, un salón y un vestidor.
Cada uno de los espacios internos está dictado por la forma externa, y parece estar tallado en una pieza sólida de material, similar a las formaciones de cuevas.
“El trabajo lleva a la humanidad a sus orígenes, recordando un estado de ser primitivo“, dijo Atelier van Lieshout.
Van Lieshout también creó una serie de muebles de exterior para acompañar a la casa en un estilo que describe como “nuevo brutalismo“.
Las sillas, con formas más angulares que la vivienda redondeada, tienen variedad de tamaños y formas parcialmente abstractas, incluido un banco en forma de L que incorpora una lámpara de pie.
Dentro de su trabajo para empresas de producción en serie -que también lo desarrolla- destaca su trabajo para la empresa holandesa Moooi, como por ejemplo la lámpara “Statistocrat” (2016).
Presentada en el Salone del Mobile 2016 de Milán, es “básicamente una especie de diagrama“.
La lámpara”Statistocrat” es una composición de volúmenes y masas, una serie de pantallas cilíndricas que se ramifican o bifurcan a partir de un poste de metal central.
“El origen de esta lámpara proviene de un proyecto muy oscuro llamado Slave City“, explica Lieshout. “Una instalación a gran escala en la que diseñé una ciudad imaginaria y carcelaria para esclavos, auto-sostenible y sin emisiones de carbono“.
Como parte del proyecto, Atelier Van Lieshout diseñó una serie de estructuras de diagramas con diferentes volúmenes que representan diferentes estadísticas.
“Es un comentario sobre el mundo en el que vivimos, donde muchos procesos y muchas decisiones se toman en base a los cálculos y las estadísticas“, dice Van Lieshout.
“Statistocrat” está soldada a mano y está disponible en una gama de 25 colores diferentes en versiones colgantes o de pie. “Está soldada y ensamblada en la forma en que lo haría en mi taller. Y para mí fue muy importante ver cómo está hecha“.
En octubre de 2017 el Centro Pompidou de París presentó una escultura de Atelier Van Lieshout que era demasiado lasciva para el Museo del Louvre.
“Domestikator” -un híbrido entre arte y arquitectura que trata sobre la domesticación humana y la dominación del entorno natural- había sido programado para exhibirse en el Jardín de las Tullerías, como parte de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC).
Pero el Museo del Louvre la retiró en el último momento en medio de la polémica sobre la naturaleza explícita de su contenido.
La polémica escultura de Atelier Van Lieshout, que representa un hombre penetrando a un animal a cuatro patas, llevó al columnista de The Guardian, Jonathan Jonesun, a calificarla de “arte público desagradable“.
El crítico afirmó que “exhibirlo en un lugar donde los niños y los desprevenidos miembros del público pudieran verlo es equivalente a la intimidación“.
“Es la torpeza y la complacencia del uso del sexo de Domestikator lo que lo hace repulsivo“, dijo. “Tómatelo en serio, y la imagen que muestra es inherentemente violenta y cruel. Tómatelo aún más en serio y es el abuso de los animales“.
En cambio, el Centro Pompidou la instaló en la plaza que da a su fachada principal como parte de su programa de exposiciones Hors les Murs.
Bernard Blistène, director del Centro Pompidou, que estaba detrás del cambio de emplazamiento, declaró que la plaza era el “lugar perfecto“.
“El trabajo de Atelier Van Lieshout es una bella utopía totalmente conectada al espacio público“, dijo Blistène.
“Me complace que los visitantes del Pompidou tengan la oportunidad de experimentar este trabajo, y espero que genere preguntas y diálogo sobre la complejidad del tema de la domesticación“, dijo Lieshout.
Pero al Louvre lo acusó de hipócrita en relación a la gran cantidad de pinturas y esculturas que hay en su colección que representan la desnudez, la violación y la bestialidad.
Van Lieshout, que presentó la obra de 12 metros de altura por primera vez en 2015 en el festival Ruhrtriennale en Alemaniaha como parte de una Aldea de Arte, declaró que el trabajo no trata sobre sexo y bestialidad sino sobre tabúes.
“Esta pieza no trata de sexo. Trata de qué tabúes éticos quedan cuando la ciencia y la tecnología superan los límites de la biología“, dijo Van Lieshout.
“No es en absoluto explícito. No es escandaloso“, agregó. “De hecho, invita a las personas a pensar en un tema muy importante: ¿Qué hacemos con los macro-datos, la manipulación genética, la inteligencia artificial, con los robots… que llevan los límites éticos al extremo?“.
También añadió que la pieza no es tan explícita como originalmente había planeado debido a restricciones presupuestarias.
“Creo que el arte debe ser un lugar donde haya muy pocos límites…. los museos, y todos en realidad, tienen mucho miedo de lo que el público pueda decir“, reconoció Joep Van Lieshout.
Atelier van Lieshout (pág. web).
Fuente: (Dezeen).
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